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Juana de Ibarbourou hace una comparación interesante en su poema La Higuera. Ella empieza inmediatamente con describir a la Higuera como “áspera y fea” en la primera línea. Sigue a decir que la Higuera es inferior en términos de la belleza a los otros arboles del campo como los de ciruelos, limones y naranjas. Todos estos arboles tienen frutas con colores vibrantes y brillosos, pero la higuera tiene ramas grises y falta color. Hay un gran énfasis en las diferencias entre la higuera y los otros arboles del pueblo en las primeras 4 estrofas. Aunque ella describe la higuera con palabras negativos, todavía dice “le tengo piedad a la higuera.” También creo que algo importante de notar es que ella esta describiendo cosas de su campo donde creció. Sabemos esto porque en línea 4 ella dice “En mi quinta hay cien arboles bellos.”

 

El poema cambia de tono después de las primeras 4 estrofas. Ella cambia de hablar sobre los aspectos físicos de los arboles y empiece a decir cosas inspiradoras sobre la higuera. Algo interesante es que ella usa la personificación en las ultimas 3 estrofas en hablar sobre la higuera. Ella da aspectos humanos a la higuera, como en línea 20 ella dice “Si ella escucha” refriendo al árbol. Pienso que el uso de este recurso literario y lenguaje poético, combinado con las descripciones de apariencias físicas en la primera parte del poema, alude al tema de la belleza interior. Piensas que hay algún otro tema que ella quiere describir con esta comparación?

 

 

Un poema es muy poderoso cuando una persona se siente algo diferente después de leerlo. “Meciendo,” escrito por Gabriela Mistral (1889-1957), hace esto tremendamente. Crea un ambiente y sentimiento que transportan al lector.

El poema tiene lugar durante la noche; podemos verlo explícitamente cuando dice “sintiendo su mano en la sombra / mezo a mi niño” (v. 11-12). Parece sensible también, porque las madres mecen a los niños por la noche para calmarlos a dormir. Aunque este verso no viene hasta v. 11, es un aspecto muy importante del mundo que crea Mistral.

Por el resto del poema, hay características del ambiente que aumentan el sentimiento de la tranquilidad. Mistral describe el mar y millares de olas. Dice que el mar es divino, que lo puede oír, y que los mares son “amantes.” Lo que sigue es una descripción similar en cuanto al viento; también es amante y la voz poética lo puede oír. Finalmente, el poema invoca al Dios y dice que “mece sin ruido.”

En este poema existe mucho hipérbaton, y creo que el verso sobre el Dios es más o menos el cierto primer verso del poema. Se puede ver que el concepto del Dios en la mente de la voz poética es muy tranquilo y cariñoso, y que pasa por todos los versos. Los mares y los vientos son amantes porque están hechos por Dios; Mistral refiere a esto cuando describe el mar como “divino” (v. 2). Por eso, este poema es como un mensaje del consuelo y del amor de Dios. Los personajes en el poema – la voz poética y el niño – pueden oír el mar y el viento, y pueden sentir la mano de Dios. Esta seguridad lleva al sentido del confort y es la razón que el niño va a dormirse.

Además del confort en el niño, el poema llena a los lectores del sentido de confort y podemos casi oír el mar y el viento y terminamos el poema más calmo de antes.

 

Es obvio que “El cisne,” escrito por Rubén Darío, describe una vida pura. Darío exclama que las cosas de belleza son más importantes que la preocupación mundana.  Además de expresar la puridad con las palabras, creo que Darío está enfocando en la puridad con el uso de una rima muy simple.  En las primeras estrofas, el poema tiene una rima de ABAB y en las estrofas finales, tiene una rima de AAB. No es difícil reconocer la rima y la rima constante representa la paz y la harmonía. Además, es importante que notamos que el poema tiene el formato de un soneto. El soneto representa la estabilidad y la estabilidad existe en la vida ideal

Me interesa el uso de mayúsculas en este poema. En línea 3, vemos que Darío capitaliza la palabra “cisne.” También, en la línea 12, Darío capitaliza la palabra “hermosura” y en línea 13, Darió capitaliza la palabra “poesía.” Creo que Darío capitaliza estas palabras porque son palabras que describen la belleza o están relacionados con el Modernismo. Es interesante que Darío menciona Thor y Argantir en el poema. El símbolo de Thor es un martillo y creo que Darío implementa esta comparación para referir a la industria y los problemas sociales que afectan los trabajadores de la clase baja.

Me pregunto porque Darío usa Helena de Troya para describir la harmonía porque la historia de Helena es una tragedia. Es irónico. ¿Qué piensan ustedes sobre la comparación entre la harmonía y Helena de Troya? Me sorprende que Darío usa la palabra “blanca” cuando refiere a Helena de Troya porque él está afirmando que, en la vida ideal, la mujer ideal es blanca. Para mí, parece un poco triste, porque, aunque hemos estudiado una variedad de estilos y el desarrollo de nuevas formas de pensar, las expectaciones para las mujeres son las mismas que antes.

¿Estás de acuerdo con mi interpretación o creen ustedes que hay un mensaje más profundo en este poema?

En Dos Patrias, escrito por José Martí, el contexto y la vida del autor es crucial para la comprensión del poema. José Martí fue un escritor cubano que fue deportado por sus actividades revolucionarias en pro de la independencia de Cuba en 1869. Fue a España para continuar su educación y suportó las actividades revolucionarias en Cuba cuando esta en el extranjero. Sus poemas traigan un sentido de apoyo y espíritu de lucha en la gente cubana.

En su poema, hay algunos partes que ese contexto es especialmente relevante. En el primer verso, Martí dice que tiene dos patrias: “Cuba y la noche” (1). Esa refiere a los dos tiempos en la vida de Martí: cuando estaba en Cuba y cuando estaba en el extranjero. La noche refiere a lo oscuro en que cuando la noche (el oscuro) estaba en Cuba (a la reina española) era necesario que Martí salió.

La segunda referencia es en verso nueve cuando Martí dice que “mi pecho, destrozado está y vacío en donde estaba el corazón” (9). Esa también refiere a su expulsión del país en que cuando fue expulsado, su corazón estaba vacío porque no estuvo en Cuba.

La tercera referencia es en verso 19 cuando dice “Cuba, viuda, pasa…” (19). Creo que ese verso es en referencia a su propia posición en Cuba como líder. Como una viuda, Cuba no funciona la misma cuando no estaba liderazgo (represente un esposo).

Me gusta mucho el poema “Al partir” por Gertrudis Gómez de Avellaneda porque es como una oda a su país de origen y la obra refleja su valoración para su hogar. Es obvio que un parte importante de cada persona es su origen y los lugares que ayuda formarle y pienso que Gertrudis Gómez de Avellaneda ha expresado este concepto en una manera muy hermosa y sincera por este poema.

En la obra, ella se está dirigiendo sus palabras a Cuba para expresar su amor para el país y su tristeza sobre su salida. Ella usa muchas palabras que expresan sentimientos fuertes. Primero, para definir el sujeto, refiere a Cuba como “Perla de mar” y “Estrella de Occidente.” Los dos expresiones son cumplidos que comparan el país a la naturaleza, para demostrar su importancia en un contexto más grande.  Entonces, ella admira más del ambiente de Cuba por un elogio para el cielo que está comparado con “el dolor.” En el proximo estrofa, los lectores descubren que este dolor y su tristeza son causado por su salida del país. En esta estrofa, el tono de la obra cambia y se vuelve más sombrío y reminiscente. Es claro que su dicción refleja sus sentimientos porque usa palabras como el verbo “arrancarme,” que son severo para exagerar su salida. Pero aún, continua expresar su amor por palabras y frases como “nativo suelo,””patria feliz,” “Edén,” y “dulce nombre,” para enfatizar sus sentimientos para su hogar.

Pienso que este poema es significativo porque enfoca en un tema que muchas personas pueden identificarse con. También, demuestra la belleza y el amor del país de Cuba.

 

“Amante agradecido a las lisonjas mentirosas de un sueño” fue escrito por Francisco de Quevedo en el siglo XVII. Su poesía sigue los temas barrocos de incertidumbre y amargura ante la sociedad. Quevedo utiliza varios tipos del lenguaje figurativo para revelar a un ser pesimista atormentado por la duda. En la primera estrofa, el poeta usa la repetición del verbo “soñar” en varias formas para crear un contraste entre realidad y fantasía. Podemos ver claramente que la voz poética está desvelando sus deseos escondidos, pero el deseo más poderoso es saber su estado de consciencia. Los versos 10 y 13 dicen las paradojas del poema. Las paradojas son “que nunca duerma yo, si estoy despierto” (verso 10) y “y vi que estuve vivo con la muerte” (verso 13). La orden de las paradojas es importante porque la pregunta de dormir o despertar es menos extrema que la de vivir o morir. La aumenta de tensión en el poema, debido a las paradojas, muestra el sufrimiento del “yo” poético a causa de no entender la consciencia. Quevedo usa aliteración en el verso 12 con “Mas desperté del dulce desconcierto.” El sonido suave de la “d” en este verso sugiere el único momento de tranquilidad en el poema. La voz poética parece resuelta y en paz porque, finalmente, entiende la realidad. Por desgracia, tiene que vivir con la desilusión de nunca alcanzar sus sueños de amor. El propósito del poema es explicar que seres humanos siempre quieren más que tienen en la vida, y nuestros sueños son imposibles en la vida real.

Algo que ha aparecido mucho en los poemas es la tema de crecer viejo y morir. Parece que hay una estructura común entre muchos de los poemas en que el poema empieza hablando sobre el amor o la belleza y termina hablando sobre el vejez o muerte. Nos observamos esto en A su retrato y A una rosa por Sor Juana Inés de la Cruz. También nos observamos la misma estructura en algunos de los poemas que leímos antes del descanso, como El enamorado y la muerte y soneto xxiii.

 

En A una rosa, de la Cruz usa la imagen de una rosa para describir la belleza de una mujer. En el Soneto xxiii, Garcilaso de la Vega también usa aspectos de la naturaleza para describir la apariencia de a la mujer. En estos dos poemas, hay un punto en que paren de hablar sobre la naturaleza y belleza y empiezan hablar sobre la vejez. Yo creo que hay un tono negativo sobre la vejez y un adoración o énfasis en la belleza de ser joven en muchos de estos poemas. ¿Que piensan ustedes sobre la presentación del tema del vejez y muerte en los poemas que hemos leído?

 

El “Soneto LXXXVI” de Luis de Góngora es una celebración de belleza tan pura que es casi religiosa. Ensalza un templo por su estética encantadora de simplicidad y de los colores eminentes, creando una imagen vivida en la mente de los lectores. Con descripciones como “nácar y alabastro duro,” Góngora imbuye un sentido táctil que añade a la riqueza visual de la obra (l. 3). Su selección de palabras opta por el opulento con referencias a las gemas y metales preciosas, pero nunca contradice la imagen de una iglesia humilde; de hecho, demuestra cómo la “honestidad” del templo es tan preciosa como estos artículos del lujo (l. 1).

También, Góngora hace uso extensivo del hipérbaton en su verso. Este recurso permite fluir a sus versos con una métrica bamboleante que refuerza la elegancia y la gracia del contenido, y el lector se absorbe en la undulación suave del poema. Contribuyendo a la métrica como resultado del hipérbaton, la rima además produce un efecto rebotador en los labios del lector. Sostengo que el hipérbaton forma la rima porque la orden de las palabras fuere diferente sin lo, y una estructura ortodoxa de las palabras no creare la rima encontrada acá.

Sin embargo, hay un significativo escondido entre estos versos. Sí, Góngora alaba la hermosura en este soneto, pero el templo que recibe toda esta aclamación podría ser una mujer que Góngora idealiza. Expresiones como “Pequeña puerta de coral preciado” contiene un elemento sexual en términos de su apariencia y su uso, y las “cimbrias de oro” llaman a mente el pelo rubio fino derramando sobre los hombres de una mujer jovial.

Para mí, es interesante que tres de los cuatro autores que leemos para mañana eran figuras religiosas. Más, las tres personas fueron casi forzadas a entrar la vida religiosa. Es importante considerar la relación fuerte y complicada entre el arte y el catolicismo. Pienso que durante los siglos XVI y XVII, una persona inteligente o de estatus alta básicamente necesitaba ser monje/a o miembro del clero para tener una vida respetada. Francisco de Quevedo fue el cuarto auto, lo no muy religioso, y su vida tenía mucho escándalo. Pero, es obvio que las personas que sí fueron religiosas todavía no estaban 100% comprometido a la vida, a causa de que no fuera completamente su elección. Lope de Vega decidió ser sacerdote para escapar de sus “tentaciones de la carne,” pero escribió un poema (“Rimas sacras: XVIII”) sobre su inhabilidad de conectar a Jesús y permitir a él entrar su vida, literalmente y figuradamente. Este poema tiene un tono muy diferente que uno que leemos de Santa Teresa de Jesús, “Vivo sin vivir en mí.” En el poema de Santa Teresa, su amor por Dios es obvio. “Rimas sacras: XVIII” empieza en serio, pero para mí en el final Lope de Vega no sienta malo sobre su situación. Él sé que “su puerta” está cerrada, pero exclama que “‘mañana le abriremos’… para lo mismo responder  mañana!” En el caso de Lope de Vega, ser sacerdote no cambió la persona que él fuera antes de entrar la Iglesia. Pienso que Luis de Góngora y Sor Juana Inés de la Cruz trataron más duramente aceptar la vida religiosa.

La bibliografía de Garcilaso de la Vega enfoca mucho en su carera de un guerrero y su vida personal/relaciones intimas. Cuando leí el principio de la bibliografía, tuve una imagen de una figura muy masculino y fuerte porque él tenía muchos talentos distintos y era un miembro prominente en el servicio. Pero también, él tenía un punto débil en su vida que era el amor de su vida, Isabel. No me sorprendió que una persona en general puede tener una influencia en la vida de una otra persona tan grande como Isabel tenía en la vida de Garcilaso de la Vega, pero estaba imaginando la extensión de su presencia en sus obras. Entonces, cuando leí sus poemas, todavía me interesante mucho el tono de ellas porque usualmente, no se piensa que un guerrero valiente pueda luchar contra de los sentimientos que él expresa en las obras. Sin embargo, le respeto mucho para su honradez y su habilidad a usar su poesía para expresar sus emociones.

También, me interese la diferencia entre los temas y los tonos de Soneto IV y Soneto XXIII, porque pienso que es obvio que hay una influencia grande de Isabel en los dos. En Soneto IV, el tono es muy oscuro y sombrío y pienso que él está expresando la pena que resultaba de la pérdida del amor de su vida. Se puede ver la influencia del pesar porque hay mucho dolor en sus expresiones. También, él está hablando a alguien en el fin del poema y puedo suponer que la persona es Isabel. Pero en Soneto XXIII, él está elogiando a algo mujer para su belleza y usa referencias a la naturaleza para expresarla. Por lo tanto, aunque él sentía mucho sufrimiento porque no podía tener todos de sus deseos, todavía tenía mucho respeto y mucha admiración para su amor. Los dos poemas demuestran este conflicto de sus sentimientos.